“茶语者”艺廊挂了我几幅书画，其中一幅牡丹一枝横逸，仅两朵红蕊，几片翡翠疏叶，懂画的人说“有民国士人画的冷逸与清脱”。果不其然，不久被收藏者买去。其实，那只是一幅小品画而已，它适宜于现代家居，上墙后陡增些许古色古香的氤氲。而我同挂在艺廊的几幅大画，俗称“展览画体”，却少人问津。太大，霸占墙体不说，房间小的，谁敢上墙？再有，“展览画体”多大、满、塞，画作虽有画院画样貌、气息，却少了“士人画的冷逸与清脱”。家庭毕竟不是展厅，谁愿意成天活在展馆里，满壁的画，大、满、塞、端端让人有一种压迫感，身心怎得舒泰。
由此，我想到国内书画界的现状，绝然画院体，也即“展览画体”的一统天下，而民间收藏却是另一番光景，尚趣味、清逸、闲适，慕文人画一路。“展览体”的弊端，大、满、塞，书画皆然。似无从改观，展厅大，观小画，不上眼，更零碎，少视角冲击力。书画一体，绝然要争夺眼球的。杜尚说，一件作品之所以著名，并不全在作品本身，而在作品被人一再提及的次数。抓得眼球的多了，被议论提及的多了，所谓的“名作”就产生了。展览画追求视角冲击力，贪大就这样出现了，遂滥觞为一种艺术现象。
《大美阜阳》在中国美术馆开展，以及太和书画晋京展在国家博物馆开展，我均有作品入展。可因有事缠身，没有前去看展。只是后来看了画册和一些展品的图片，果然“院体书画”一统天下，没逃出我以上判断，况且从征稿开始对尺寸就有“高大上”的要求。一般展览作品随展览结束，如不被馆藏或其他机构、个人收藏，也就完成了它的艺术使命，被堆放在书画家自己家中湮没无闻了。
展厅常态
展览体不单单大、满、塞，还追求形象逼肖，尤其工笔，纤毫毕现，锱铢必较，像几乎成了一种无形的艺术标准。再像，你有摄影照片像吗？倘若中国画与摄影争工，那么中国画的艺术魅力也就消减殆尽了。近些年，我在国家美术馆看过各种名目的中国画展，多走入歧途，画写意画的中国画家少，大写意的更稀若星凤。写意画才是创作，展览体许多都是再现与写生，更多是画家比着照片放大了画。如是，比之临摹与写生，写意画自然艺术价值高一些。宋元画是中国画的根底，也是中国画取法的范本，新版的《宋画全集》浩如烟海，随便采撷一枝，就够当代画家追慕一生的。虽也有工笔，但多写意之作，精彩纷呈；即便在当代拍场上，能够拍出天价的，多是写意较浓的画。比如张大千那幅《爱痕湖》，拍出一个多亿。知晓这幅画的创作过程，很多人会喷笑。
民国时，许多画家多地有画室，多设在景色秀丽之地。张大千曾在一风景地的画室叠着铺开六张六尺宫廷宣，拌好墨，兑上颜料，便用盆去泼，所谓“泼彩”，酣畅淋漓，犹如玩耍；他的仿古青绿山水有一多半是“泼”出来的。泼完之后，要让宣纸自然洇干，让墨、颜色、宣纸发生自然洇化、渲染。此画泼完，张大千离开画室，扭头便将这画忘了。数月后，才想起那六张被他泼过的宫廷宣，可惜六张纸只揭出两张，后经他补笔，一张就成了拍场天价的《爱痕湖》。
张大千《爱恨湖》
说实话，泼彩讲究意外之功，画家也胸无成竹，成画后会成什么样貌，谁也说不准。因而，好的大写意画多意外之作，犹如世上没有完全相同的两片树叶一样，世上也没有完全相同的两张写意画，写意画的不可复制，恰是它的价值所在。
其实，被拍成上亿元天价的李可染的《万山红遍》，我在中国美术馆见过真迹，也不足三平尺的小画。且此画题，李可染生前重复画了有十几张；重复多了，也就成了名画。艺术圈内外人大多喜欢看小品展，小品也最见画家闲趣与功力。国展，我也看过几次，虽多受热捧与追慕，但静下心看，实在意思不大。我们的笔墨功夫放在追慕国展，照赵本山小品话说“跑偏了”！问题在于，明知跑偏，书画家们还一路去追。这就有涉我们的书画体制了。只有进国展，才有可能解决书画家身份（国家级会员）；有了身份，方才有市场。实际上，书画家身份与书画的水平无关，更与画价无关。然而，邪门了，偏偏有关，关系大着呢！
张大千早年有一句题画诗：“眼中恨少奇男子，腕底偏多美妇人。”是调侃，是讨趣，更是一种感慨。我们呼唤“奇男子”，也不要嫌弃“美妇人”。艺术的美是多姿多彩的，让人欣赏是关键。美是无价的。
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